Le mouvement dansé soulève des défis philosophiques que ce livre relève en examinant les différentes définitions de l'art, le fonctionnement et le statut ontologique des propriétés chorégraphiques, des processus créatifs, de la notation, des représentations scéniques. Par une analyse approfondie du concept d'expression et des notions de technique, de style, d'interprétation juste et de signification, l'ouvrage défend la thèse selon laquelle la danse est « faite d'extériorité », résultant d'une série d'actions et d'interactions conciliant la réceptivité et l'activité, l'émotion et la compréhension, la spontanéité et la délibération, la contrainte et la liberté.

Pour aboutir aux Fers soudés, il a fallu à César un saut mental qui n'avait rien de programmé. L'interrogation des sources permet d'identifier les déterminismes menant à son appropriation du poste à souder, et surtout le dépassement de sa vision première du fait sculptural, strictement artisanale puis académique. Dans ce recensement ressortent clairement deux sensibilités, d'une part au matériau et d'autre part à la notion de "présence" ou de densité de l'oeuvre, renvoyant aux productions de Giacometti, Richier, Brancusi, Picasso et Gargallo.

Cet ouvrage étudie les relations entre art et documentaire, relations par lesquelles des problématiques communes, des stratégies et des manières de faire entrent en écho et s'éclairent réciproquement. Il rassemble des contributions d'auteurs français et étrangers, universitaires comme artistes, et vise à décloisonner la réflexion sur le documentaire à travers une multiplicité d'approches disciplinaires.

De Debussy à nos jours, la musique s'est progressivement centrée sur le son, selon une mutation sans doute aussi fondatrice que celle qui, il y a quatre siècles, fit naître la tonalité. Relire l'histoire de la musique des XXe et XXIe siècles revient donc, en grande partie, à penser l'émergence du son, une émergence qui se présente sous de multiples formes. C'est à cette lecture qu'invite ce livre qui, à l'aide de nombreux exemples, offre une synthèse inédite s'adressant tant au spécialiste qu'à l'amateur.

Avec Problèmes de la musique moderne, les PUR poursuivent leur publication des oeuvres de Boris de Schloezer (1881-1969), un des philosophes de la musique les plus importants du XXe siècle. L'idée centrale est que, depuis le Moyen Âge, les musiciens n'ont cessé d'accroître leur emprise sur leur matériau, le son. La fabrication du son par les appareils électroacoustiques est alors le tournant décisif de cette évolution. La présente réédition contient la postface écrite par Iannis Xenakis en 1977, ainsi que quatre articles importants de Boris de Schloezer.

Que sait-on aujourd'hui du Nouveau Cinéma latino-américain, concept apparu à la fin des années 1960 ? Ce livre retrace les origines et les développements de ce projet cinématographique à l'échelle de l'Amérique latine. À partir de l'Institut cubain de l'art et de l'industrie cinématographiques, l'école documentaire de Santa Fe, Chile Films, de Glauber Rocha et du groupe Cine Liberación, l'auteur analyse les conceptions, les médiations et les échanges portés par le Nouveau Cinéma latino-américain.

L'objectif de Jerrold Levinson, figure importante de l'esthétique analytique, est dans cet ouvrage de renverser la conception traditionnelle de la compréhension musicale : l'expérience musicale est d'abord et essentiellement temporelle, non pas formelle. Par ses exemples musicaux nombreux ainsi que par son style argumentatif clair, cet ouvrage s'adresse autant au philosophe, au scientifique et au théoricien qu'à l'amateur de musique. Il ouvre une réflexion stimulante à propos de nos expériences musicales et de leur réussite.
Avec une préface d'Emmanuel Bigand.

Les pratiques contemporaines de l'archive sont emblématiques de notre rapport au passé et à la tradition. Rassemblant des textes d'artistes, de chercheurs, de curateurs, ce livre tente de cerner notre actuelle "Culture de l'archive" - à l'ère du Big data, de l'autoarchivage des réseaux sociaux, de l'économie de la connaissance qui transforment le spectateur en producteur de savoir, et l'artiste, à bien des égards, en médiateur, en archiveur de sa pratique et en entrepreneur de l'image.

Cette monographie, la première en France, reconstitue la mémoire de la Lianhua, société chinoise de production de films qui, dans les années 1930, a cherché à lutter contre le monopole des films hollywoodiens. En éclairant la période où la culture chinoise a rencontré la modernité, l'Occident et la question nationale, cette étude apporte une contribution de premier plan à l'histoire générale de la Chine.

Un sujet aussi ample que le western requiert une constellation d'approches, que ce soit dans le domaine de la littérature, des arts plastiques et visuels, de la musique et de la civilisation nord-américaine. Il s'agit aussi de revisiter les figures mythiques tels Bas de Cuir, Daniel Boone, Jesse James, Billy the Kid, Calamity Jane, Buffalo Bill, et d'autres figures du genre: le cow-boy, l'éclaireur, le shérif, le pionnier, le héros solitaire, la femme fatale.

Que se passe-t-il lorsque nous percevons une sculpture ? Cet ouvrage s'attache à montrer comment notre appréciation d'une oeuvre de sculpture se construit. Cette opération est à la fois une réponse multisensorielle à l'exploration visuelle des surfaces de l'oeuvre, et la mise en mouvement de mécanismes psychologiques permettant de saisir celle-ci comme structure pleinement déployée dans l'espace.

Gérard Le Don a traduit et édité le livre de L. R. Rogers Comprendre la sculpture paru aux Presses universitaires de Rennes en 2015.

Waldemar-George est un homme-symptôme de sa génération. Ce livre constitue un essai biographique, retraçant la vie du personnage de sa naissance aux dernières années de sa vie et dressant des portraits développés selon un angle particulier de sa carrière : l'errance politique, la figuration et l'abstraction, l'expressionnisme, le catholicisme. Une anthologie de textes de Waldemar-George sur différents artistes donnent à lire le critique d'art.

Le livre explore à la fois la théorie mallarméenne de la musique, sa mise en pratique poétique, et les compositeurs qui mirent Mallarmé en musique : principalement Debussy, puis Boulez qui en fit le coeur de son entreprise.

Musiciens allemands, français, italiens, austro-hongrois, russes ou polonais, l'identité nationale inspire les compositeurs du XIXe siècle : faire entendre la voix de leur peuple, les traditions de leur terre, le chant de la nation, en un mot leur musique nationale. Jusqu'où les philosophes ont-ils, à cette époque, accompagné la théorisation, par les artistes eux-mêmes, de leurs oeuvres ?

"L'enregistrement affectera l'auditeur vers lequel finalement toute cette activité est dirigée." Ce sont ces changements, promis par Glenn Gould en 1966, que cet ouvrage repère et analyse. Musicologue, ethnomusicologue, historien des arts contemporains et des techniques d'enregistrement, producteur de disques, ingénieur du son, directeur artistique, musicien, théoricien du cinéma et philosophe, tous tendent l'oreille dans ce livre au monde sonore, musical et cinématographique contemporain.

Ce livre propose une réflexion d'ensemble sur l'oeuvre du philosophe français Mikel Dufrenne (1910-1995). L'attention que Mikel Dufrenne porte aux différents arts (les arts plastiques, la musique, la poésie) ainsi qu'à la richesse des expériences esthétiques vécues, décrites et commentées, le conduit à de faire de l'oeuvre ce qui permet de remonter vers un principe originaire, la Nature, qui fonde toute création.

Cet ouvrage participe du nouvel intérêt pour la technologie qu'a suscité, notamment, l'envahissement par le numérique de toutes les sphères de la production et de la diffusion cinématographiques. Loin de s'arrêter aux innovations récentes, il interroge, sous un angle à la fois historique, théorique, esthétique et épistémologique, diverses manifestations qui mettent en relief cet ancrage technologique complexe : depuis les « photographies animées » produites chez Edison et Lumière, jusqu'aux images retouchées numériquement, en passant par le cinéma olfactif ou certains classiques de l'animation et du film noir, les transformations technologiques n'ont semble-t-il jamais cessé de redéfinir les modalités du cinéma.

Cet ouvrage dresse un historique des « films sur l'art » et considère leur apport à l'histoire de l'art. À cette fin, les contributeurs convoquent des historiens de l'art préoccupés par l'intérêt de ces films (d'Erwin Panofsky à Pierre Francastel), des artistes et critiques d'art liant leurs disciplines au cinéma (comme Jean Cassou et Pierre Huyghe) ou des historiens d'art se faisant cinéastes (tels Carlo Ludovico Ragghianti et Luc Haesaerts). L'ouvrage envisage au-delà du cinéma les enjeux de tels films à la télévision, ainsi que l'art vidéo.

Alexandre Chèvremont retrace dans cet ouvrage la genèse de la « ?ériode classique de la musique ?raquo; dans l'aire germanique en montrant l'émergence d'un style et de son esthétique. Il questionne ce qui s'est passé à l'époque de Haydn, de Mozart, de Beethoven, du point de vue de la critique musicale mais aussi des traités théoriques, des manuels et cours d'esthétique et des écrits de philosophie de l'art.

L'auteur de cet ouvrage ouvre une réflexion sur le concept poétique de "cinéaste" qu'il a forgé chez Kiarostami. Dans une perspective d'extension de ce concept qu'il apparente à un suspens filmique, il propose de vérifier son opérativité et sa transhistoricité en l'étendant à d'autres cinéastes et d'autres corpus comme Rossellini ou le cinéma muet.

Que signifie créer un opéra, en France, depuis 1900 ? Ce volume propose des outils pour comprendre et découvrir les paradoxes, les utopies et la réalité de la scène lyrique dans un univers bousculé par plusieurs guerres et de profonds changements sociaux et culturels. Les analyses sont complétées par des entretiens avec Georges Aperghis, Isabelle Aboulker, Graciane Finzi, Pierrette Fleutiaux, Pierre Bartholomée et Jean-Baptiste Barrière.

L'approche théorique d'Anne Duggan sur l'oeuvre de Demy rompt radicalement avec le consensus critique, puisqu'elle choisit de se placer dans le double éclairage des études sur le conte (dont elle retrouve les archétypes jusque dans Lola et dans Les Parapluies de Cherbourg) et des queer studies. Ce livre, contribution majeure au renouvellement du discours critique sur Demy, est aussi un superbe hommage à la complexité d'une oeuvre cinématographique dont on ne se lasse pas d'explorer les faces les plus secrètes.

Inventer, jouer, écouter de la musique : voilà le sujet de ce livre. Il ne s'agit pas de considérer la musique comme un corpus de partitions, avec leur écriture, leur solfège, leurs règles, mais comme un ensemble de conduites humaines caractérisées par ces trois verbes. Analyser la musique au-delà des notes soulève des problèmes de méthodes qui font débat au sein de la musicologie. La controverse, nécessaire à la recherche, est engagée ici entre François Delalande et Jean-Jacques Nattiez, éminent représentant de la musicologie générale. Les essais réunis ici sont le résultat d'années de recherches empiriques fondées sur l'observation et l'enquête.

En se fondant sur un corpus varié de séries américaines et françaises – de Twilight Zone (1959) aux Revenants (2012) – cet ouvrage étudie les musiques sous les angles successifs de la spécificité de la musique de série – singularités esthétiques et mémoire spectatorielle –, des rapports des partitions de séries avec celles proposées par le cinéma, et de la possibilité de compositions hybrides mélangeant les genres.